Joaquim Chancho Chancho

Fragmento de la obra de Chancho llamado 100 figuras, en la que explora las muchas vías de la creación abstracta. En ellas se hace latente la importancia que le suscita la geometría. Abandona el carácter simbólico para centrarse en el estudio del color, la forma, el método y la seriación. Su lenguaje le sirve quizás para hablar, desde la abstracción, de la pintura, de su propio mundo y de la creación. Pues como él mismo dice, “en un cuadro yo no comprendo el amor hacia nada que no sea el amor de pintar”.

La eliminación de un cromatismo complejo muestra, en esta pieza, un retorno al origen. Un lenguaje claramente constructivo se hace presente y juega con la captación del espectador hacia el limbo de la bidimensionalidad y la tridimensionalidad. Chancho tensa los límites de la percepción del espacio. Simplifica a través del blanco y el negro este juego al que nos vemos sometidos. Lejos de intentar entender la lógica del cuadro, nos vemos apreciando, simplemente, la abstracción pura.

La seriación es una constante en la obra de Chancho. Lo que aparentemente asemejan fractales, componen el universo concreto del artista, despojado este de adornos. Las líneas, casi como gesto terapéutico, inducen a una unidad esencialista. Las vibraciones, las imperfecciones, son la esencia que compone esta obra. Está basada, como muchas de sus obras, en secuencias sucesivas o elementos prácticamente caligráficos. Es quizás una representación de lo que él mismo define como la naturaleza de la especie humana, “sólo hemos aprendido a multiplicar y a multiplicarnos”.

Obra de gran dinamismo visual. De nuevo, el trazo de Chancho pivota entre la caligrafía y el gesto. Los zigzags característicos de su obra muestran un dualismo entre lo estático y lo ágil. De composición diagonal, sus rayos negros impactan en un tono rojo radical. Y es que estas formas ya aparecen en algunos de sus dibujos en 1969. Algunas de sus obras más coetáneas a esta, como Pintura 80.21, Pintura 08.18 y Pintura 08.5 exploran de forma casi obsesiva las variaciones sobre este mismo concepto. Las mutaciones de color o de composición no hacen más que reformar la idea de que el artista se enfrenta a cada obra desde la preparación más meticulosa. Y que cada trazo ha sido interiorizado a través de la repetición, eliminando prácticamente el azar y dejando que la espontaneidad sea parte de un proceso minucioso y concienzudo.

La obra se nos presenta como un enigma. Los trazos oscilan entre el signo y la geometría. Los colores son complementarios y opuestos, propios de la gama del artista. La imagen se debate entre la abstracción pura y la reminiscencia de los campos labrados que contemplaba el artista en su infancia. El gesto forcejea entre la espontaneidad y la preparación meticulosa. El dibujo se realiza sustrayendo materia, el menos se convierte en más. Es quizás un espejo. Dos imágenes iguales, exactas, pero a su vez opuestas y complementarias.