J.Fín J.Fín

La producción artística de los años sesenta está formada en su mayoría por gouaches sobre papel. Configuran un bloque muy numeroso en su producción final que, a pesar de corresponder a los años de más aguda enfermedad y por tanto de más reposo forzado, es una etapa de una intensa energía pictórica. Probablemente el gran lirismo de esta obra y su magicismo son producto de una contemplación distinta del mundo por parte de un artista sumamente consciente de unas siempre injustas limitaciones físicas.

Del análisis de las obras más antiguas conservadas del artista, que corresponden a los años treinta, se desprende su conocimiento de la pintura postimpresionista y su dedicación fundamentalmente a la figura, el retrato y los bodegones. Se conservan muy pocas de estas primeras obras, puesto que la bomba que estalló en su taller destruyó casi en su totalidad la producción de este período. Fín fue un excelente retratista y un gran amante del desnudo femenino. Retrat de Ramon Rogent data del año 1943. La poética del trazo del pincel, la expresión del rostro, el dominio de la luz y el juego de sombras que enfatizan al personaje hacen que esta sea una de las obras más representativas de este primer período. Rogent será un amigo de Fín y expondrán juntos en 1943 en las Galeries Reig de Barcelona.

Su período abstracto puede ser considerado indisoluble de la técnica con la que realiza su obra, donde predomina sobre todo el dibujo y el carbón. Fín abandona la técnica del óleo y el soporte de la tela de su etapa barcelonesa y trabaja con el carbón sobre papel, cartón o telas viejas (a causa de la precariedad económica del artista). El blanco y el negro son los colores que utiliza Fín en muchas ocasiones y son a la vez el reflejo de su estado de ánimo, que justificaría sus composiciones geométricas, rigurosas y desnudas. Como afirma Pilar Vélez, algunos críticos intentaron relacionar estas obras con la sobriedad de algunos temas picassianos, como resultado de la impotencia del artista ante la catástrofe de la Guerra Civil y de la Segunda Guerra Mundial.

De manera progresiva, a finales de los años cuarenta e inicios de los cincuenta, Fín deja de lado esta vertiente abstracta y vuelve a la figuración, con una orientación diferente a la etapa barcelonesa, aunque mantiene una cierta conexión. Como hemos explicado, cuando llega a París, Fín se adentra por la senda de la abstracción de raíz cubista, aunque enseguida, y sobre todo cuando abandona La Ruche, reconduce su obra hacia unas formas donde se siente más cómodo, más satisfecho, más él mismo, enlazando con su obra barcelonesa y siempre con sus temas más apreciados, el bodegón y la figura. Parece que el artista tras una etapa de intensa reflexión descubre real y definitivamente de cuál es la línea a seguir, de cuál es su verdadero camino.

La vuelta a la figuración coincide con el inicio de su madurez pictórica, que significa asimismo el inicio de la pintura más característica de Fín, por la que fundamentalmente es reconocido en la actualidad. Durante los años cincuenta el triunfo de las más diversas vertientes del informalismo, especialmente en Catalunya, conlleva una desmesurada valoración de esta línea pictórica por parte de la crítica, mientras que la figuración se queda en un segundo plano. En este contexto, Fín sigue en París un camino paulatinamente más intimista y más lírico manteniendo los mismos motivos: el bodegón, los pájaros de pico largo, las figuras femeninas y los toros.

Los años cincuenta representan para Fín la consolidación de una línea figurativa que lo aparta del informalismo cada vez más presente alrededor y con la que hace un esfuerzo por ser él mismo y mantenerse al margen de modas y tendencias de distinto tipo. En numerosas composiciones, como por ejemplo en este bodegón, Fín se decanta por el volumen perfilado únicamente por una nerviosa y contundente silueta de color negro. Esta técnica abre el nuevo camino de su etapa artística final. Una tendencia que Pilar Vélez relaciona con algunas obras de Wifredo Lam, quien fue un buen amigo de Fín.

Como afirma Pilar Vélez, la última etapa de Fín ha sido la más comentada por la crítica y es sin duda la más característica e identificadora de su trayectoria artística, donde pájaros y peces son los temas principales y resultan casi omnipresentes. Asimismo, cabe destacar la presencia del desnudo femenino y de los instrumentos de cuerda, ahora mucho más simplificados y que nos remiten a su etapa barcelonesa.

Las composiciones de los años sesenta pueden considerarse como unos grandes puzles formados por numerosos elementos perfectamente acoplados entre sí, como si después de haberlos revuelto hubieran llegado a su definitiva y ordenada posición. El perfilado negro, de trazo nervioso, será una constante en todas las obras de este período, así como también la utilización de una paleta de colores muy reducida, donde el amarillo, el rojo y el azul serán los protagonistas.

En 1946, Fín se instala en París, concretamente en La Ruche, gracias a beca del Intitut Français de Barcelona. El objetivo de este lugar instaurado por Alfred Boucher era alquilar las dependencias a un precio muy bajo a todos aquellos artistas que buscaran un lugar para vivir y trabajar. El pabellón circular estaba dividido en salas de planta triangular que funcionaban a la vez de vivienda y de taller para los artistas. Allí, Fín se adentra enseguida en la abstracción, un hecho que cierta prensa barcelonesa considera como una cosa de juventud o ensayo circunstancial y sin apenas transcendencia. Esta etapa dura hasta finales de año 1949 y resulta una experiencia, tanto artística como vital, decisiva para el artista.

En París, el artista rompe con la figuración y se introduce en la abstracción más pura. Fín no fue nunca partidario de la abstracción por la abstracción y siempre hizo hincapié en la necesidad del objeto concreto como elemento fundamental en su pintura. En 1955, Fín afirma que "la abstracción debe ser el coeficiente del elemento real. Nos expresamos con imágenes y no partiendo de ideas abstractas, que llevan a la muerte de las cosas".

En este retrato de los años cuarenta podemos ver al coleccionista y gran amigo de Fín Francesc Mèlich, su esposa Carmen Juste y su hijo. La familia Mèlich-Juste apoyó su vocación de pintor, como lo demuestra las obras que formaban parte de su colección. Gracias a Mèlich –químico, fotógrafo y grabador–, Fín se introduce en el campo del grabado, puesto que tiene la posibilidad de trabajar en el taller de grabado artístico del coleccionista, donde Fín se instala en el año 1945. Por este motivo, cuando Fín se traslada poco después a París, en el taller de Mèlich quedan objetos y obras del artista. Podemos observar que las obras de este período ya denotan un cierto interés y una búsqueda hacia una forma auténtica.

Durante los últimos años de su vida, es cuando Fín se convierte verdaderamente en Fín. Son años de una intensa creación, no solo pictórica sino también gráfica, donde predominan los temas figurativos –figuras femeninas desnudas principalmente–, pero sobre todo sus característicos pájaros de pico largo y los caballos. Una obra inconfundible de Fín, sesgada por una muerte prematura. El 8 de marzo de 1969 Fín muere en París y poco después sus restos son trasladados a Barcelona, donde es enterrado en el Cementiri Vell con sus abuelos, padres y algunos hermanos.