No sabemos si Isidre Manils tiene mente cineasta y se oculta bajo la pintura, pero lo que sí podemos percibir es la gran influencia que tiene el cine en su visión del mundo. Y cómo percibe a través de imágenes y secuencias la realidad. Este artista de Sabadell creció dibujando y viendo películas en el cine familiar en la localidad de Mollet. Él mismo afirma que le debe más a Hitchcock que a Picasso. A lo que quizás se refiere es que su estética formal se asemeja más a esos encuadres que el celuloide nos ofrece. Lejos de esas pinturas con tendencias expresionistas que realizó durante su temprana juventud, Manils parece evolucionar hacia el origen: una infancia cinéfila a través de la cual comprende el mundo.

La superposición de capa pictórica tras capa pictórica elimina cualquier rastro de pintura, convirtiéndola en lo que nos puede parecer un fotograma. La obra se transforma en un vocabulario más semejante al del cine. Y es que al artista no le interesa dejar ningún rastro de materia. Sus pinturas parecen proyecciones de la propia vida, formadas por imágenes que Manils recoge, reproduce y plasma. Los cuerpos aparecen como espectros y los sujetos dejan de cobrar importancia para dejar paso a realidades distintas. La identidad de los representados solo sirve de excusa para plantear un concepto universal.

La austeridad de colores nos hace percibir a un artista que controla el procedimiento pictórico. Reduce la pintura y elimina cualquier rastro de ella. Él mismo afirma que se enfrenta y discute con la pintura, hasta que esta le habla y consigue ese aspecto de que no está pintada. Los restregados crean imágenes difusas, a veces como fotogramas movidos. Parece que el artista crea su propio guión y lo expone como un enigma para el espectador. Sus imágenes son a veces alusiones al amor, una formalización de los besos y los abrazos. Un intento de buscar una conexión tanto con sí mismo como con el espectador.

Muchas veces las obras de Manils son un intento de componer un universo y de abarcarlo entero. Los fragmentos se van superponiendo y crea relaciones con imágenes y escenas que parece que no tienen porqué coexistir pero que Manils consigue conjugar a la perfección. Sus obras nos hacen percibir a un personaje introspectivo y metódico. Una tecnología simple como la pintura le permite componer y narrar desde una posición de artesano. Cuando habla de la pintura, no habla de arte. Se ve a si mismo como esos primeros pintores que no pensaban en arte sino en pintura y que eran en última instancia artesanos. La pintura de Isidre se nos presenta bajo esa misma premisa. Sin pretensión, más que la de conectar con quien sepa leerla.

Antes de la aparición del cine y la fotografía, las escenas e imágenes eran captadas por pintores, por tanto tiene lógica que el primer cine y fotografía estuviesen influidos por esta visión más pictórica del mundo. Isidro Manils plantea lo opuesto a algunos cineastas contemporáneos que siguen con la vertiente pictórica del cine y transforma la pintura a través de una visión cinematográfica. En este mismo tríptico encontramos tres representaciones del mismo sujeto que parece entre danzar y huir de la escena. Percibimos una narración o una alusión a la vida y a la muerte.

640 imágenes conforman esta película que el artista nos presenta. La obra, más que como imagen singular, la percibimos como historia. Una secuencia de imágenes que denotan movimiento, acción y trama aparecen representadas con delicadeza. Es una clara alusión al cine, a los materiales usados por este, a los carretes de películas semitransparentes, igual que la pintura de Manils, también con aspecto de trasparencia. Una obsesión por retratar y narrar a través de la luz, de congelar el movimiento y crear relato. Más de 600 imágenes que conforman una sola. Más de 600 ideas que forman parte de un todo.

El artista entiende la pintura como la materia de la luz, y al igual que en el cine, la luz (o su ausencia) es la que crea la imagen. En el cine, la luz es proyectada sobre una tela para hacer surgir una escena. Manils proyecta su pintura y luz sobre su tela y nos entrega una aparición. Busca referentes que atraigan, a veces estos son imágenes débiles como él mismo dice, recortes de periódicos o de prensa y elementos con ruido. Otras escenas concretas de su memoria: la cortina roja del cine, un beso proyectado y otras escenas que muestran una cinética constante.

Los personajes resurgen del fondo de la escena, estos no tienen el rostro definido. Esta especie de bruma característica de muchas de las obras de Manils crea una sensación de atemporalidad. No sabemos si la imagen pertenece al pasado o al futuro, o si es recuerdo o proyección. Vemos representado un ideal de humanidad que trasciende más allá de la realidad. La imprecisión de la línea contribuye a este ambiente difuso que parece surgir como un sueño y desaparece la voluntad de representar a ningún personaje reconocible. La omisión de lo concreto se vuelve universal. Al desaparecer la identidad se nos presenta un concepto que habla de toda la humanidad.

Manils parte en su trabajo de la obsesión por la luz y la manera de representarla. Desde su interés por la luz natural, así como la artificial, la luz proyectada o la transparencia, el artista convierte la luz en materia. Esta se convierte en eje de su manera de percibir la realidad. En sus seriaciones constantes combina los diferentes estadios de luz, creando distintas realidades que, conjuntas, conforman una nueva. La luz nos permite percibir la materia, y Manils consigue representarla, sutil, entre veladuras, brindándonos la oportunidad de reflexionar a través de ella. La luz se convierte en sinónimo de realidad, que veraz o no, aparece en sus lienzos.

La mirada frontal de la figura parece salir del rostro en donde existe. La imprecisión de la anatomía nos muestra a un pintor que busca representar voluntariamente un pensamiento más absoluto que la verdad del sujeto retratado. Las diferentes versiones pueden ser un intento de concreción o de construcción. El silencio envuelve la obra que parece intentar conjugar un recuerdo con una realidad. Nos encontramos ante una serie de retratos en los que se nos presentan pequeñas variaciones y versiones de un mismo rostro, pero que lejos de percibirlo como versiones independientes se nos entrega una única versión final. No solo nos otorga una experiencia estética, sino una reflexión de identidad. La obra, prácticamente monocroma, destaca con un azul la mirada y con un malva pardo la expresión de la boca.