Joan Ponç Ponç

Subversivo, ácido y divertido. Así es como se nos presenta Joan Ponç en su autorretrato de 1978. Se coloca él mismo en el fondo de un ataúd y con cuerpo huesudo. Pero lejos de verse como un personaje exento de vida, se nos aparece absolutamente enérgico y vivo. Media sonrisa irónica y burlona, nos observa tras sus gafas de sol y cubre su cuerpo, más propio de un personaje de ciencia ficción que de un cadáver. Joan Ponç nos sonríe desde el otro lado, pues para él, la vida es insignificante delante de la muerte.

Una de las obras más representativas de la época de Dau al Set es la cabra de Joan Ponç. A partir de 1947 empieza este periodo. Hijos del surrealismo, rechazan el automatismo puro psíquico propio de la época. Se centran en el surrealismo del inconsciente, pero siempre teniendo en cuenta un aspecto racional y transformador. Siempre dejándose gobernar por la razón. Ponç prefería la concepción sobre la visión. Nos presenta un paisaje inconexo con un personaje central, que seguramente asaltó la mente del artista, pues Ponç afirmaba que “yo no hago mis obras, son ellas las que continúan viniendo a mí”. Como conmemoración de los 30 años de la muerte de Joan Ponç y la cesión de la obra al Museo Nacional de Arte de Catalunya, en 2014 se realizó una publicación que ponía en diálogo esta obra con otros artistas, críticos y escritores, tales como José Corredor-Matheos, Evru, Vicenç Altaió o Frederic Amat. Aunque esta no es la única “cabra” que realizo, ya que en 1955 cuando estaba en Brasil hizo otra.

A raíz de una profunda crisis religiosa en 1978, Ponç empieza a realizar centenares de dibujos. En muchos de ellos está presente la angustia del propio artista. Crea personajes de su subconsciente, mezclando animalidad y cultura. Una combinación que sólo es posible en la alucinación de su persona. Sus pinturas cobran un aspecto maléfico que nos remite en algunos casos a los caprichos de Goya.

El artista pasó por una época en la que experimentó con todo tipo de materiales y soportes. Sus personajes en vez de evolucionar se mantuvieron estáticos durante toda su etapa creativa, como si se tratase de entes que invadían su mente, o que fuese esta la realidad que percibía el artista. Encontramos una equivalencia pictórica entre el cuerpo e imagen que proyecta el artista en sus obras con su propio cuerpo. Cierto es que Ponç no cuidó en exceso su salud y por ello quedó resentido. Sus creaciones y personajes a veces insinúan autorretratos de su propia figura.

De cualquier estímulo exterior, la imaginación de Ponç se excitaba. Con un reflejo, una luz, una sombra, un zumbido, su imaginación, que siempre fue un medio y no un fin, se disparaba. Hacia 1965, Ponç se encontraba en un buen momento personal y profesional. Después de que Rene Metrás le organizase una exposición en 1964 y tras volver del Brasil, su obra había empezado a circular. Con ello había podido establecerse en una casa en Cadaqués y no fue hasta 1968, que a través de una carta se descubrió que el artista volvía a encerrarse en sí mismo. En estas épocas es cuando Ponç establece lo que serán las bases de su lenguaje hasta que fallezca, su característica visceralidad formal y la consolidación de un lenguaje que se acerca a la geometría.

En esta obra de 1975 observamos las imágenes que brotan del subconsciente del artista. Imágenes que oscilan entre el sueño y la alucinación de una mente claramente imaginativa. Podemos encontrar a su vez reminiscencias de rituales e imágenes afroamericanas en su pintura. Personajes totémicos, animales que recuerdan a deidades malignas mezcladas con surrealismo. Su obra se centra en la representación de su psique, invadida de imágenes metafóricas, extrañas, peligrosas y alucinógenas.

Sus obras a menudo muestran un predominio de un impulso erótico reprimido. Crea personajes provocadores que nacen de su afán de burla y provocación propia e intenta, por tanto, provocar también al espectador. Esta obra en concreto, que también pertenece al período en el que Ponç realizaba gran parte de su obra en las consultas médicas esperando, muestra una vez más a un personaje salido de su imaginación. Esta figura se nos presenta viva, humana y horrible. Es un ser metamorfoseado que conjuga la concepción humana y un bestiario propio de una mente angustiada.

En esta obra partimos de una deformación pesimista de la realidad. El personaje se encuentra formando parte de una exageración dramática. El protagonista se ve desmembrado y trágicamente tocado por una fuerza divina que parte del cielo en forma de rayo verde. Su imaginario autosuficiente e iconografía orgánica nos recuerda a un hombre de esencia rara y mágica. Su pintura se convierte en una escena de sentimientos.

A raíz de sus problemas de salud, Ponç empieza a desarrollar su serie de “Capses secretes”. En las salas de espera de los médicos lleva consigo materiales y distintos soportes. Con ellos, generalmente de formatos pequeños, crea las obras pertenecientes a la serie. En ellas predominan las fantasías e ideas que tiene. Busca también provocar y burlarse no sólo de sí mismo sino de todo aquel que contemple su obra. De esta serie en concreto el artista hace subdivisiones de sus obras: Minigeperuts, Estranya, Degollats, Caps-espelmes, Èxtasi, Espurnes, Irregulars, Degenerats y Celestial.

Hacia 1971, Ponç abandona definitivamente a Rogent (su antiguo maestro) porque descubre que el dibujo es para él poner límites al espacio, para así hacer que lo que no existe, exista. Y que, por tanto, la pintura es también dibujo coloreado. Estas son ideas contrarias a su antiguo maestro. Ponç encuentra la necesidad de representar su interior i no de reproducir la realidad. Descubre a su vez que todo hombre es creador y está “al fons de l’ésser” (en el fondo del ser) donde hay que ir a buscar el secreto y la existencia del arte.